miércoles, 21 de octubre de 2009

LA DANZA EN LA EDUCACIÓN Y LA DIDACTICA EN SUS NIVELES.

Viene de la Primera parte...
Espacios abstractos en física

  • Espacio fásico, en mecánica clásica, el espacio fásico o espacio de fases es el espacio formado por las posiciones generalizadas y sus momentos conjugados correspondientes.
  • Espacio de configuración en mecánica clásica y mecánica lagrangiana, el espacio de configuración es el espacio de todas las posibles posiciones instantáneas de un sistema mecánico.
  • Espacio de Fock, en mecánica cuántica es un sistema algebraico (un espacio de Hilbert véase abajo) que se usa para describir un estado cuántico.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                            
  1. COLOR

El color en su significado implícito de utilidad en la danza, es en si, la variedad de efectos que en ella se puedan aplicar, con la propia vivacidad que la naturaleza nos brinda en oportunidades de existencias, coexistencias y alegrías singulares, que se le quiera dar al mensaje del acto formal, del tema u obra danzaría, por lo tanto no necesariamente es un color, sino un efecto simbólico de tonalidades en cada efecto y existencia aplicada, es la plasticidad implícita, propia de un cuadro en su recreación y composición de un “hecho” de vivencia local o regional. Como también de la subjetividad alterna de la creatividad personal. Expuesto en cada obra artística, en esta caso de la danza, podría tener valores de esta plástica colorida, desde la vestimenta, parafernalia, sonidos, y expresiones corporales, alegrías compartidas y sentimientos trasmitidos en un escenario.

Pero también el color en sus tonos variados es una percepción físico, espectro visual que se genera en el cerebro al interpretar las señales nerviosas que son enviadas a los foto-receptores de la retina del ojo y que a su vez interpreta y distinguen las distintas longitudes de onda que captan de la parte visible del espectro efecto electromagnético. (Objeto, forma y tonalidades)

Es también un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz, relacionado con las diferentes longitudes de onda en la zona visible del espectro electromagnético, que perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.

Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como colores según las longitudes de ondas correspondientes. El ojo humano sólo percibe las longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. A diferentes longitudes de onda captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.

Con poca luz vemos en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comunmente llamada "superposición de colores luz" El color blanco resulta de la superposición la síntesis o concentración de todos los colores, mientras que el negro es la ausencia o negación del color. En la síntesis sustractiva (mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) El blanco solo se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y El negro es resultado de la superposición de los colores Cian, magenta y amarillo.

La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

El uso de ciertos colores impacta gradualmente en el estado de ánimo de las personas, muchos de ellos son utilizados con esa intención en lugares específicos del arte plástico y en espacios singulares, como por ejemplo, los actos escénicos de obras teatrales, danza modernas, ballets, bailes y danzas folklóricas y simplemente, bailes y danzas “hechizas” de perfil artístico, en la que vestuarios y parafernalias, se fusionan en una COMPOSICIÓN de colores adjunta a la escenografía, es muy común que se utilice cierta decoración de colores afín de dar vida y perfil a la obra, entre fondos azules, verdes y oscuros, se conjugarán con los cañones de luz y tachos de efectos combinados, a nivel superior e inferior y que la obra exija en el contexto de cada tema, siendo muy importante el uso de estos ejemplos en relación a los colores que permita la relevancia de vivencias compartidas y emociones que el efecto se pretenda cause en el espectador, de danzas, bailes y teatro.

  • Colores análogos: Se utilizan de manera adjunta y producen una sensación de armonía.
  • Colores complementarios: Cuando son usados producen un efecto de agresividad, provocado por el máximo contraste al utilizarlos juntos.
  • Colores monocromáticos: Al utilizarlos producen una sensación de unidad y estabilidad se pueden usar con diferente intensidad (más claro o más oscuro) esto va a depender de la luz.

De esta manera llegamos entonces a poder definir la danza como el desplazamiento efectuado en el espacio, tiempo y obra con mensajes propios, por una o todas las partes del cuerpo del bailarín, realizado é impulsados por una forma de energía propia, y con un ritmo determinado, durante un tiempo de mayor o menor de duración. (Máximo en escena de 8 minutos y un mínimo de 6) en sus efectos de vivencia de menos a mas, mejor dicho, que el tema o temas, se de en la propiedad del impacto al público, en sus partes del inicio suave en la expresión y ritmo, a un intermedio mas efectivo de enlaces, hacia un final de impacto, que motive la participación de aplausos y satisfacción artística.

El uso predominante de uno u otro de los elementos del movimiento no es siempre parejo. En algunas danzas predomina el ritmo, en otras el uso del espacio, etc. También es importante destacar que de acuerdo al carácter de ella se acentuará el uso de uno u otro elemento necesario que la represente en lo teatral y pictóricamente:.

No todas las disciplinas están regladas, ya que algunas modalidades de danza forman parte de una cultura ancestral, que se transmite de padres a hijos, pudiendo ser recreadas, con particularidades de la interpretación para niños, jóvenes o adultos, así como para interpretes profesionales, no siendo un patrón vertical, a seguir, que no sea el cuidar valores tradicionales de su funcionalidad mensaje, interpretado y dicho desde otro ángulo, de valores, tiempo y espacio de cada danzante.

Cuando la danza no se manifiesta como el puro bailar, o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, sino que se imprime una intención determinada se complementa o integra con el que podemos denominar "adicionales no elemento danzarios necesarios". Éstos son cuatro: MÍMICA, GESTO SIMBÓLICO, CANTO Y PALABRA.

  1. 3.      COREOGRAFÍA.

Los elementos y características escogidas de una danza, pueden ser agregadas a otras para así elaborar una coreografía o ser la obra coreográfica sumada a alguna otra presentación artística, como lo puede ser las famosas coreografías en la cinematografía o el teatro.

En cuanto a la coreografía, existen figuras universales, como son las rondas, parejas, paralelas, cuadrillas, caracol, espirales o serpentinas, frentes, fondos, media luna y figuras.

La Palabra Coreografía: Proveniente del griego, de la palabra coreografía que significa literalmente ‘la escritura de la danza’ (koreos Chores: Grupo reunido en danza = ‘movimiento’ y grafía o Graphie: = a escritura o mensajes). Entendemos entonces por coreografía a aquel conjunto de movimientos y bailes organizados de manera estructural, con un sentido y un objetivo específicos de trasmitir un mensaje o que significa algo previamente diseñado. Estos movimientos siempre mantienen relación unos con otros y dependiendo del tipo de baile o danza seleccionada, que busquen ensamblar un complejo de situaciones en las cuales el cuerpo humano sigue el ritmo de la melodía presentada.

La coreografía es sin dudas la base de cualquier danza, sea esta oficialmente enseñada o transmitida de manera informal. Cada estilo de baile supone un estilo particular de coreografías que buscan adaptar los movimientos del cuerpo a la sintonía de la música para ensamblarse así de manera organizada y pareja. Mientras algunas coreografías pueden ser lentas y tranquilas, otras pueden basarse en el desgaste energético y en movimientos que parecieran no tener ningún significado pero que están claramente pensados para expresar determinadas emociones.

La enseñanza coreográfica debe incluir diferentes tipos de coreografías con el objetivo de permitir al alumno componer sus obras de arte de manera completa. En este sentido, podemos encontrar coreografías monólogas (en las que la persona baila de manera individual y sin el acompañamiento de pares), coreografías grupales (realizadas por dos o más personas de manera conjunta; en ellas pueden trabajar todos a la par o representar en diferentes grupos diversos tipos de movimientos).

La coreografía varía grandemente de acuerdo al estilo musical y mientras las coreografías clásicas buscan representar movimientos de estilos delicados, refinados y casi celestiales, las coreografías modernas se caracterizan por contar con movimientos desenfadados y libres. De cualquier modo, independientemente de los tipos de coreografía de los que se hable, siempre se hacen presentes en cada estilo elementos de mayor simplicidad como también elementos de mayor complejidad que implican gran destreza, compromiso y habilidad.

También se podría decir:

QUE  LA COREOGRAFÍA:

Es el arte de la danza, además el conjunto de figuras y movimientos que forman el total de una danza en un mensaje especifico en sus tres elementos.

Figura: son las distintas formas de escritura artística en un escenario en sus coreografías de una expresión dancística. Ej.: la ejecución de vuelta entera o giro.

Denominación: es el nombre que se le da a cada figura como vuelta entera, avance o retroceso, cambio de esquina derecha con giro, zapateo y contorneo.

Dirección: se refiere a qué lado debe realizarse cada figura. Ej.: izquierda, derecha, al frente y atrás.

DESTACADOS COREÓGRAFOS :

  • Domenico da Piacenza (1390-1470), el primer gran maestro y fue el danzador más famoso y coreógrafo de la Historia del Quattrocento. De él se conserva un manuscrito: «De arte Saltendi et Choreas Ducendi».
  • Guglielmo Ebreo (1420-1481), gran maestro de baile y coreógrafo de la Italia del Quattrocento. En 1463 presenta su libro: «Práctica o arte de la Danza».
  • Antonio Cornazzano da Piacenza (1430-1484), su tratado: «El arte de danzar», sistematiza los pasos y establece las reglas de la coreografía.
  • Cesare Negri (1535-1605), entre sus obras publicadas cabe destacar «La Gratia d'Amore», en este tratado el nivel técnico ha aumentado considerablemente. Es Negri, el que preconiza el uso de la barra.
  • Marius Petipa (1822-1910) fue un Maestro de ballet, coreógrafo y bailarín francés.
  • Agrippina Vaganova (1879-1951) fue una maestra de ballet rusa que desarrolló el método Vaganova, técnica derivada de los métodos de enseñanza de la antigua Escuela de Ballet Imperial (actual Academia Vaganova de Ballet) bajo el Maître de Ballet Marius Petipa desde mediados a finales del siglo XIX, aunque principalmente durante los años 1880 y 1890. Su fundamentos de la Danza Clásica (1934) siguen siendo un libro de texto común para la instrucción de las técnicas del ballet.
  • Michel Fokine (1880-1942), bailarín y coreógrafo que revolucionó el panorama de la danza rusa.

DANZA EN LAS URBES O CIUDADES. (Country)

La expresión “danza urbana” se refiere a eventos, performances y creaciones coreográficas que investigan la relación entre danza y espacio urbano. Dentro de esta corriente se pueden enmarcar las experiencias de investigación de los 70, como las de Trisha Brown y Joan Jonas, así como las prácticas de danza urbana como breakdance y la danza con skateboard,

La Técnica de Lester Horton.

A pesar de que Lester Horton produjó muchas coreografías ingeniosas y creativas, es más reconocido por su sistema del movimiento en danza, único en su especie. Lester Horton es uno de los pilares de la Danza Moderna. Junto con Cunningham, Humphrey-Weidman, Graham y Limón, Horton creó una de las técnicas de danza moderna más codificadas. Muchos bailarines importantes de danza moderna han entrenado en esta técnica y surgieron a partir de su experiencia dentro de la compañía de Lester Horton. Entre ellos tenemos a: Alvin Ailey, Bella Lewitzky, Carmen de Lavallade, James Truitte y Joyce Trisler.

Lester Horton desarrolló una técnica de danza con una gran reputación de alargar, fortalecer y crear una fuerte resistencia física en el cuerpo humano, como preparación para convertirse en un instrumento para la danza expresiva. Con Horton, cada músculo del cuerpo es alargado y cada sección corporal es aislada. Bella Lewitzky comenta al respecto "Nosotros teníamos ejercicios para nuestros dedos, muñecas, hombros, ojos, cuello, ondulaciones de costillas y brazos - esto provenía de su amor por el teatro oriental." (Bella Lewitzky, Dance Perspectives, Autum 1967).

Lo maravilloso acerca de la Técnica de Horton es que explora cada parte del cuerpo y que trabaja desde la articulación hacia afuera. Es una exploración lógica de la anatomía... después de haberla estudiado a través de los años, al entrar a otro tipo de técnica - ya sea de Graham , Holm o cualquier otra- nadie puede etiquetarte o adivinar tu bagaje técnico. Este es uno de los grandes aspectos que definen la técnica de Lester.".

Bibliografía de La Danza.

  • Cohen, S, J. - Dance As a Theatre Art: Source Readings in Dance History from 1581 to the Present. Princeton Book Co. 1992. ISBN 0-87127-173-7
  • Marcelle Michel, Isabelle Ginot - La danse au XXe siècle. París, Larousse, 1995 (ISBN 2-04-019984-5).
  • Amelie Soyka - Tanzen und tanzen und nichts als tanzen. Tänzerinnen der Moderne von Josephine Baker bis Mary Wigman. AvivA, Berlín, 2004. ISBN 3-932338-22-7

EXPRESIÓN CORPORAL.

  • Tomás Motos. Iniciación a la Expresión Corporal. Barcelona: Humanitas, 1983.
  • Tomás Motos y Leopoldo G. Aranda. Práctica de la Expresión Corporal. Ciudad Real, Ñaque
  • Jacques Salzer. La Expresión Corporal. Barcelona: Herder. 1984.
  • Paloma Santiago. De la Expresión Corporal a la Comunicación Interpersonal. Madrid: Narcea, 1985.
  • Patricia Stokoe. La Expresión Corporal y el niño. Buenos Aires: Ricordi, 1967.

Para finalizar.

La Teoría de la Danza estudia los problemas generales relacionados con el arte danzario tales como:
La naturaleza de la danza. (Entenderla desde el ámbito de existencia y coexistencias)
Los problemas de la conciencia artística. (Valores de la subjetividad creativa y personal)
El carácter de la imagen danzaria. (Cultivo de perspectiva y resiliencia propia)
Las poéticas danzarias. (Contenido y mensajes de cada efecto interpretado)
El signo danzario. (Como medio de Comunicación e integración humana)
Los procesos de creación artística. (Observación, Captación, Recreación y aplicación)
Las relaciones de la danza con otras artes. (Como eje Universal del Hombre, Tiempo, Espacio y
Obra recreada)
Los vínculos entre danza y sociedad. (Interrelación Vida y existencia de identidades interpretadas)
Las posibles taxonomías, clasificaciones u ordenamientos para los estudios acerca de la danza.
La Teoría de la Danza labora con altos niveles de abstracción y requiere del estudioso una metódica adecuada para su comprensión y desarrollo.


Tradicionalmente, los danzas se clasifican en dos tipos: romántico y festivo. Las dos variaciones realmente no se parece uno al otro. La danza romántica es más fiel a una forma que consiste de en cuatro secciones: una introducción o "paseo" (generalmente de 8 medidas), un primer tema, un segundo tema, y un tercer tema, cada uno de 16 medidas. El tercer tema es generalmente más animado y en él rol del bombardino cambia de acompañante y se convierte en el solista que toca la melodía, a veces de manera virtuoso o descarga. Después del tercer tema hay una recapitulación del primer tema y a veces una coda al final. Todas las partes, aparte de la coda y la recapitulación, se tocan dos veces. Puede haber variaciones a esto como la introducción de "puentes", secciónes de 8 medidas en vez de 16, etc.


Aunque las danzas, son sobre todo románticos, son caracterizados por un acompañamiento rítmico muy peculiar, tocado por la mano izquierda si es en el piano o por el bombardino o el trombone en orquestas. La danza se puede describir como mezcla del vals con un rítmo Afro-Caribeño y ritmos nativos.
El danzar festivo no es tan fiel a una forma, aparte del hecho que todas tiene una introducción. Después de ésa, pueden seguir la forma de la danza romántica o tener apenas dos o tres más secciones sin ninguna organización en particular. Estos son muy rítmicos, animados y rápidos.

LA EDUCACIÓN A TRAVÉS DE LA DANZA  (Valores y niveles de aplicación)

La danza, sobre todo de la Cultura y arte popular aplicada en la educación, es mas que abrir nuevos espacios de búsqueda y expresión de alternativa integral, desde que el ser humano tuvo un encuentro consigo mismo, se perfila hacia los demás y desde el medio que le rodea; utilizando los elementos fundamentales en su proceso educativo, de integración, identidad que promueva la comunicación é integración social.

    Por sus bondades de relación y por sus posibilidades de expresión, la danza se permite en el individuo que lo practica, no solo momentos amplios para la exploración motriz, afectiva y social de nuevos saberes, sino del crecimiento personal de sus potencialidades, hacia medios de interrelación y comunicación social, los cuales forjan sistemáticamente los niveles de una autoformación acorde con el gran objetivo del hombre y la mujer: “Ser el proyecto de sentido integral humanista y de constructo fin en el desarrollo personal y social”

    Dado que la propuesta está sustentada en hallazgos y metas logradas a través del cultivo cultural, desde el proceso de la motivación permanente, a la aplicación é investigación de “hechos” y valores, de existencia y convivencias, en que se pretende asumir como medio formativo a la danza podría ser desde los conceptos de entender a:

  • La danza como alternativa de comunicación integral, Ubicación subjetiva y relativa formal de la identidad, desde el cual se esboza, la idea de expresión, interrelación y cotidianidad con su realidad, vivencia e integración social en la calidez humana de su cualidad y potencialidad que la danza exija en su practicas especificas.
  • La danza como alternativa en la educación básica formal y regular, en niveles y desarrollo integral de alternativa transversal, no solo desde el arte, sino desde el civismo, literario y estadístico de lo lógico, matemático, estadístico, biológico e idiomas que cada realidad porcentual, permita sustentarse desde las Capacidades Fundamentales; del Pensamiento Creativo, Pensamiento Critico, Solución de Problemas y Toma de decisiones, hacia retos de aplicación Intelectual, Afectiva y Motriz, en su validación y mensajes de una educación integral, familiar é institucional en el papel que esta juega en cada escenario de tradición, costumbres y propuestas del desarrollo social de Aprender a aprender integralmente.

Históricamente el cuerpo ha revelado la forma de comportarnos y movernos en medio de la cotidianidad, pues una sonrisa puede ser sinónimo de alegría y entusiasmo, al igual que una mueca puede reflejar desagrado e ironía.

    Pero es necesario además reconocer que todos los seres humanos nos movemos con ciertas actitudes que revelan nuestra historia cultural; el caminar, el movimiento de las manos, los gestos corporales, son semejantes a los de nuestros familiares, conservando un prototipo y modo de ser culturológico.

    Hemos ido heredando algunos comportamientos motrices a lo largo de nuestro desarrollo ontogenético, devenidos todos ellos del proceso de socialización que anima la vida del ser humano; esto significa que nuestro cuerpo y nuestra expresión corpórea, es una cantera cultural; es un espacio donde se alberga todo un cúmulo de experiencias cotidianas que al irse estructurando y reestructurando, van formando la expresión corporal característica de un sujeto.

    Es precisamente por esto, que las formas de expresión corporal son individuales, pues son una manifestación de lo subjetivo de las personas, de eso que las hace diferentes a los demás. Pero es necesario aclarar que la subjetividad se construye en la intersubjetividad que se tiene con el otro que es distinto a mí, pero que a la vez, se parece a mí, en la medida que comparte un discurso o acción conmigo.

    Es en razón a lo anterior, que la expresión corporal está ligada con la cotidianidad, y en consecuencia, su manifestación artística es un derecho de todos y no puede estar encomendada únicamente a quienes practican las artes escénicas rigurosamente. Pues si bien, es cierto que ellos (personas que se dedican estrictamente a la danza y el teatro como profesión) le dan el toque de elegancia y armonía; la expresión hace parte de nuestros imaginarios y se potencia como forma de encuentro y comunicación a través del baile y la danza.

    La danza es símbolo y signo, dado que al estar relacionada con las expresiones de lo corporal, refleja en cada gesto la intención del danzante, una intención que parte de una idea para llegar a ilustrarla; "como afirma Duran G. (citado por Galagalza 1978) al referirse a la función de lo simbólico. En tal sentido, la danza es fuente de ideas, en tanto el símbolo posee figura y significado. La figura otorgada por la representación corporal (el gesto) de una idea y el significado por la imaginación y sueño que asume la idea a representar.

    continua... en otra página de este mismo blog


Publicado por Charlsperu @ 16:46
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Publicado por BRANDY4377
viernes, 26 de noviembre de 2010 | 14:27

hola me gusta tu informacion, porque estoy trabajando conb niños especiales, si puedes trata de agregarme para intercambiar ideas y opiniones